Marcelo Moguilevsky. Buey solo. (Vinilo Discos)

Bienvenido primer disco solista de un músico con destacada trayectoria que surca diversidad de géneros, siendo siempre fiel a su sensibilidad artística. Marcelo Moguilevsky es un reconocido vientista, de los más importantes exponentes de la música klezmer, compositor de bandas sonoras para largometrajes, de gran actividad docente en Argentina y Alemania y miembro del celebrado grupo Puente Celeste. Esto por nombrar unas pocas facetas de este gran músico. En Buey solo, Moguilevsky entrega un CD+DVD grabado en vivo en Café Vinilo, espacio ideal para una propuesta que comparte músicas y textos en un clima de intimidad y creación constante. El público cerca, rodeando al artista que con clarinete, saxo soprano, kalimba, percusión, piano, clarón, flauta contralto, armónica, duduk, flauta irlandesa o arpa de boca, invita a un ritual de sonidos y palabras cautivante. Piedras, silbido, copas, papel, agua...se transforman en instrumentos y construyen diversos climas para que fluyan las composiciones de Moguilevsky, y algunos textos de Mankel, Borges o Tanizaki que remiten a la soledad. Como un arquitecto del sonido graba bases, se loopea, crea espacios sonoros donde el artista deja toda su energía y emoción. Un disco maravilloso que convoca a un ritual en el que agradecemos acompañar el talento e inspiración de este admirable Buey solo. (alesimonazzi)

Ácido criollo. Casi al filo. (Independiente)

Registro en vivo del grupo integrado por Agustín Ronconi en voz, guitarras, flauta traversa y ronroco, Andrés Fariña en bajo y coros y Daniel Dieguez en batería y percusión. Se trata de un DVD+CD grabado el 3 de Octubre de 2013 en el CAFF y que contó con la participación especial de Federico Terranova violinista de la Orquesta Típica Fernández Fierro. El nombre del grupo surgió de un libro que hablaba acerca de la preparación de vino artesanal, de la importancia de encontrar la dosis justa de ácido para que la bebida tenga personalidad y sabor, sin que sea agrio. Eso mismo hace este trío con la personal mixtura de folklore, urbanidad, rock, jazz y otras yerbas. Emparentado con el grupo Arbolito que Ronconi y Fariña integran, Ácido criollo es un espacio donde los músicos desarrollan diversas ideas que permite el formato en trío, trabajando arreglos y emprendiendo búsquedas diferentes aunque no muy alejadas de Arbolito. Con referentes como el Chango Farías Gómez y Raúl Carnota, podemos imaginar algunos de los caminos de búsqueda y riesgo que asume Ácido criollo. El resultado son 17, entre composiciones propias y temas del Cuchi Leguizamón, Ramón Navarro, Peteco Carabajal, el propio Carnota, Victor Jara y Violeta Parra. También hay dos temas inéditos de la banda, una potente versión de Corazón de Lechiguana, chacarera trunca de Ferreyra / Paz y Para Pinche un reggae con aires bluseros dedicada a Jorge Pinchevsky de Agustín Ronconi. Un disco que contagia la energía de Ácido criollo en vivo, con momentos de introspección, otros de gran energía con cierres de temas propios de rock y, sobre todo, una compartida alegría de saberse haciendo la música desde la emoción y el compromiso. (alesimonazzi)

María y Cosecha. Umbral. (Mecenazgo cultural)

“Desde el umbral nos percibimos y elegimos la música de este lado del mundo para contarles sobre nosotros, nuestra tierra y nuestra gente”. Inmejorable autodefinición de los integrantes de María y Cosecha, uno de los grupos referentes de nuestro folklore de los últimos 15 años. Por dedicación, nivel musical, compromiso ideológico, elección de repertorio y autogestión, siempre es motivo de festejo la edición de un disco de esta agrupación. Integrado por María de los Ángeles Ledesma (voz), Matías Furió (percusión y coros), Pablo Fraguela (piano, acordeón y coros), Pedro Furió (guitarra, cuatro y coros) y Sebastián Calá (contrabajo y coros), María y Cosecha nos entrega en este Umbral, trece temas del cancionero popular latinoamericano. Autores imprescindibles como Luis Alberto Spinetta, Teresa Parodi y Rosendo Arias, Chico Buarque, Quiri Escobar, Cuchi Leguizamón y Manuel Castilla, Juan Falu y Pepe Nuñez, Chacho Muler, Victor Jara, y Negrín Andrade. Esta variedad de creadores convive con jóvenes compositores como Laura Vallacco, Pedro Furio, Pablo Fraguela y Sebastián “Taty” Calá. El disco es disfrutable en cada una de las canciones: cuidados arreglos, una gran cantante como la Chiqui Ledesma, notables músicos  y destacados invitados. Teresa Parodi, Leandro “Negro” Falótico, Hernán Crespo, Carolina Cohen, Marcos Di Paolo y Pablo Budini, participaron en diversos temas, además de contar con un cuarteto de cuerdas: Claudia Sereni (cello), Luján Ricci (violín), Nayla Beltrán (violín),  Quique Condomí (violín); y un quinteto de vientos: Marín Rur (saxo alto), Leandro Paganini (saxo tenor), Francisco Huici (saxo barítono), Miguel Hornes (trompeta), Juan Canosa (trombón). Una reunión de talento y compromiso tanto en los músicos que atraviesan el disco, como en los autores elegidos en el repertorio. Un "Umbral" que irradia la más bella identidad latinoamericana. (alesimonazzi)

Bernardo Monk. A toda orquesta (UMI)

Bernardo Monk es un destacado compositor y saxofonista que surca con naturalidad y gran nivel una diversidad de géneros, pero que en sus composiciones hace opción por el tango. En su quinto disco apela a la sonoridad de la orquesta típica para ofrecer diez composiciones propias que, siendo un homenaje a las históricas orquestas que forjaron la identidad del tango, tienen un sonido actual que sin dudas es un aporte más a esa identidad viva de la música. La formación incluye a reconocidos músicos de gran nivel técnico y compromiso con los proyectos en los que participan: Guillermo Rubino, Juan Bringas y Damián González Gantes en violines; Clara Nardozza en viola, Paula Pomeraniec en cello; Daniel Ruggiero , Matías Rubino y Ramiro Boero en bandoneón; Abel Rogantini en piano y Pablo Motta en contrabajo. Por su parte, Monk está a cargo de saxofones alto y soprano, voz, composición, arreglos y dirección. Las composiciones mantienen el espíritu bailable que saben ofrecer las orquestas típicas y tiene un ingrediente más que importante: la música que entrega Bernardo Monk con su orquesta es genuina, describe su manera de sentir el tango, con toques de jazz y admiración por la historia del género que, lejos de buscar reproducirla, la actualiza de manera personal y muy valiosa. Monk describe su mirada sobre el Buenos Aires de hoy. Una mirada sonora que merece ser escuchada para notar que el tango está vivo y no es una pieza histórica de exportación. (alesimonazzi)

Jamila Purofilin. Julio Cortázar Songs. (Acqua Records)

Un disco que nos brinda poemas del gran Julio Cortázar musicalizados e interpretados bellamente Jamila Castillos. La muy buena cantante y compositora cubana adoptó el nombre de Jamila Purofilin al dar nacimiento y continuidad al proyecto Purofilin, precisamente. Julio Cortázar Songs surgió en España cuando por casualidad Jamila descubrió el libro póstumo del Cronopio, "Papeles inesperados" y allí el poema "Blues for Maggie". A primera leída el poema le sonó a canción y con ese tema decidió abrir el disco. Se fueron sumando cancines a partir de las palabras y sensaciones que le transmitía la lectura de Cortázar: La Patria, Che.Yo tuve un hermano, Bolero, Save it, Pretty Mama, Cinco últimos poemas para Cris, Los amantes, y Aftermath. Cada poema encontró de la mano de Jamila diversas formas musicales. Fueron blues, bossa nova, son cubano, guaracha, milonga, tango o bolero. Con la intervención de destacados músicos y una muy cuidada interpretación, Jamila Purofilin nos brinda la posibilidad de ingresar al mundo de Julio Cortázar por una puerta nueva, original y plena de belleza. (alesimonazzi)

Chango Spasiuk. Tierra colorada en el Teatro Colón. (Sony Music)

Hermoso registro en CD y DVD del concierto que el Chango Spasiuk ofreció en el mítico Teatro Colón el 6 de Octubre de 2013 en el marco del ciclo "Intérpretes argentinos".  En un primera parte, el Chango se presenta con su sexteto recorriendo temas propios de diversas etapas.  Temas tradicionales y de compositores admirados como la dupla Héctor y Félix Chávez. En una segunda parte, desarrolla la "Suite del Nordeste", en la que participa nada menos que Rafael Gintoli en violín concertino y la Orquesta de Cámara Estación Buenos Aires, con arreglos y dirección de Popi Spatocco. La naturalidad con la que la obra del Chango Spasiuk se comparte en un teatro como el Colón, relacionado a la denominada "música académica", deja atrás fronteras y discriminaciones de la cultura para reconocer la calidad no por su procedencia sino por la dedicación, capacidad, pasión y autenticidad de compositores e intérpretes. Sin duda el Chango Spasiuk es muestra de esto último, al igual que los enormes músicos que lo acompañan: Marcos Villalba en cajón y guitarra, Juan Pablo Navarro en contrabajo, Víctor Renaudeau en violín, Heleen de Jong en chello, Diego Arolfo en guitarra y voz y Alfredo Bogarín en guitarra. Distintos climas, constante disfrute. Intimismo e introspección por momentos, polcas que nos traen ambientes de fiesta, y el momento compartido con el virtuoso violinista Rafael Gintoli donde brillan los arreglos y dirección de Popi Spatocco sobre las composiciones del Chango. Toda esta bella música sonando en una de las mejores salas de mundo como es el Teatro Colón tiene una muy cuidada edición doble en CD y DVD, éste último con comentarios de Spasiuk y un corto mostrando algo del recorrido de Tierra Colorada hasta llegar al Colón. El final del concierto lo tiene al Chango Spasiuk solo en acordeón interpretando el clásico Kilómetro 11 de Tránsito Cocomarola, para terminar con su sexteto y una bella versión del tema de Piazzolla, Libertango. Tierra colorada en el Teatro Colón es un paso más en el camino de sensibilidad y buena música de un referente de nuestra cultura como es el querido Chango Spasiuk. (alesimonazzi)

Orquesta Errante (Independiente)

Una formación integrada por muy buenos músicos que proponen un repertorio original. Una orquesta que respira jazz, pero lejos de la clásica big band, más bien podríamos decir que se trata de una continuación de esa clásica formación. La Orquesta Errante interpreta composiciones de su director y arreglador Valentín Reiners, quien reunió a 15 músicos de distintas regiones del país para conformar este muy interesante ensamble. Los temas, con fuerte raigambre jazzística, tienen un sonido urbano, con espacio para la improvisación y los solos. Una variedad de sonoridades con fuerte presencia de los vientos, algo natural ya que la orquesta cuenta con tres trompetas, cuatro saxos y tres trombones.  La propuesta es más que interesante y el resultado musical de gran calidad, disfrutable aún para oídos que no frecuentan el jazz. Valentín Reiners, director de la Orquesta Errante y otras agrupaciones del género, es además guitarrista, director de la Banda Municipal de Olavarría y dirige la Big band y el Noneto del Conservatorio Manuel de Falla, donde es profesor. En la Orquesta Errante nos ofrece su obra como compositor y el arte de dirigir a un grupo de músicos que muestran grandes cualidades tanto en lo individual como en el sonido grupal, ofreciendo bellas y variadas atmósferas musicales. Integran la Orquesta Errante, en Trompetas y Flugels: Sergio Wagner, Leonel De Francisco, Cristian Cáceres. Saxos altos: Emmanuel Famín, Ingrid Feniger. Saxo tenor: Juan Torres. Saxo barítono: Pablo Moser. Trombones: Matias Traut, Francisco Salgado. Trombón bajo: Mario Alvarez. Guitarra: Esteban Landoni. Piano: Ignacio Hurban. Contrabajo: Mauricio Dawid. Batería: Fermín Merlo. La Orquesta errante es una gran apuesta que merece el oído atento y emotivo. (alesimonazzi)

La bomba de tiempo. Vivo en Buenos Aires (Independiente)

Esperado registro en DVD de este ritual de percusión y baile que hace 8 años sacude las noches de los lunes en la Ciudad Cultural Konex de la Ciudad de Buenos Aires. a Bomba de Tiempo anuncia el lanzamiento de su flamante DVD, grabado en vivo en el lugar que los ve tocar cada lunes de la semana, Ciudad Cultural Konex.  La Bomba de Tiempo es un grupo de percusión que practica la improvisación con señas. Los conciertos son únicos e irrepetibles ya que su música se va generando en cada show a través del diálogo entre los músicos y el director que,  con un sistema de más de 70 señas realizadas con las manos dirige la improvisación. Cada encuentro se nutre de la inspiración de los directores (8 en la actualidad), la energía del público, el aporte de los invitados y la impronta de los 16 destacados percusionistas. Sin dudas un todo que es mucho más que la suma de las partes. Es imposible transmitir desde el registro audiovisual toda la energía del vivo, eso es único y recomendable para quien lea estas líneas. Pero la mirada de Ariel Hassan, director del DVD, nos permite subir al escenario, ver de cerca distintos toques de los percusionistas y, sobre todo, tener en varias oportunidades de frente a los distintos directores, para vivir de cerca esto del lenguaje de señas y la composición en tiempo real. A todo esto se suman momentos en que La bomba de tiempo interactúa con invitados, improvisando sobre sus temas y creando distintas atmósferas en que el público sigue siendo motor de inspiración y disfrute. Los convidados en este registro son Illya Kuryaki and The Valderramas, Los Cafres, Los Auténticos Decadentes, El Chango Spasiuk, Mariana Carrizo y el cuarteto de caños Buenos Aires Brass. Esta muy buena producción independiente tiene una cuidada presentación y además trae un CD con algunas temas que no están en el DVD.  La Bomba de Tiempo está formada por Alejandro Oliva (surdo, conga y dirección musical), Richard Nant (surdo, trompeta y dirección musical), Lucas Helguero (quinto, accesorios y dirección), Mariano Cantero (tambor chico, Nacho Alvarez en tambor repique y tumbadora), Juampi Francisconi (tambor piano, chekeré y dirección), Mario Gusso (conga y campana), Andy Inchausti (surdo, djembé y dirección), Pablo Bendov (djembé y tambor piano), Luciano Larocca (guira y djembé), Carto Brandan (semillas y surdo), Pablo Palleiro (tumbadora y tambor repique), Gabriel Spiller (campanas, tronco y dirección), Maria Bergamaschi (tumbadora y chekeré), Diego Sanchez (djembé, quinto y dirección) y Cheikh Gueye (djembé, accesorios y dirección). Un ritual de percusión que late en cada encuentro y que hoy tiene su merecido registro audiovisual. (alesimonazzi)

Mintcho Garrammone. La felicidad es un kilombo (Independiente)

Un seleccionado de músicos puestos a divertirse con la música, pasarla bien y contagiar en melodías ese extraño sentimiento de que la felicidad es un kilombo. Mintcho Garramone es un gran compositor y músico. Con muchos años de estadía en Brasil, acompañó a gran parte de los músicos de la nueva MPB como Chico César, Peninha, Na Ozetti, entre otros. Pero sin duda encontrarse con Ramiro Musotto y formar parte de la prestigiosa Orquesta Sudaka lo marcó definitivamente. Con la orquesta recorrieron el mundo compartiendo la música y la vida. Todas esas vivencias y geografías se hicieron canciones, festejos, "melodías hilvanadas con amor" al decir de Kevin Johansen en el tema La choronga, al cual le puso letra y voz en el disco. Imposible nombrar a todos los músicos que intervinieron en cada uno de los temas de un disco realizado entre 2008 y 2012 en lugares como París, Berlín, New York, Salvador, Rio de Janeiro, Curitiva, Montevideo, Buenos Aires y Dolores, ciudad donde Mintcho nació. Choro, polca, vals, cumbia...una fiesta de sonidos en variedad de instrumentos, muchos de ellos ejecutados por Garrammone: Guitarra baiana, bajos, samplers, cavaquinho...etc. Encontramos al querido Ramiro Musotto en percusión, Juampi Di Leone en flautín, Luis Volcoff en guitarra, Santiago Castellani en tuba y trombón, Martín Buscaglia haciendo un rap charrúa...la cantidad de músicos e instrumentos se traduce en una hermosa variedad de melodías, que al terminar de disfrutarlas dejan probada la hipótesis de que La felicidad es un kilombo. Y en el kilombo, bailemos. (alesimonazzi)

Matías Foreiter. 4º creciente (UMI)

Cuarto disco del cantautor que desde hace más de 15 años desarrolla un lenguaje que combina el decir del trovador, toques de rock y momentos de acústica muy agradables. No hay encasillamiento, más bien el permitirse que la poesía dispare emociones que se hagan canción. Matías Foreiter toma en este disco poemas de autores contemporáneos como Diego Sckliar, Martín Rodríguez, Laura de Marco, Virginia Janza, Gito Minore y Héctor Urruspuru, entre otros. Los poemas se hacen canción en manos de Foreiter. Son rock, folk, balada, bolero...un abanico de melodías que proponen diferentes climas y una misma idea artística: la música dando vuelo y relevancia a los textos. Esa variedad de sonidos se apoyan en el propio Matías Foreiter en voz, guitarras acústicas y acordeón, Martín Toto Calzetta en batería, Pablo Paludi en bajo eléctrico, Alejandro Pugliese en guitarra eléctrica, Rafael Sucheras en piano y arreglo de cuerdas, Gonzalo Albarracín en bongo, congas y accesorios, Agustín Uriburu en cello, Santiago Martínez en violín y Lautaro Schachmann en trombón. 4º creciente cuenta con invitados como Fito Páez (voz), Señorita Carolina (voz), Juan Subirá (acordeón y voz). Una bella producción independiente con nuevos poemas y logradas melodías. (alesimonazzi)

Analía Sambuco, Julio Solarz. Tiempo vaivén (Independiente)

Un devenir sonoro que atraviesa músicas y palabras de una Latinoamérica no muy escuchada. El dúo integrado por Analía Sambuco en voz y Julián Solarz en piano, se propone una mirada propia y original sobre obras no muy conocidas de artistas como Gustavo Pena "El Príncipe" de Uruguay, Hermeto Pascoal de Brasil, el cubano Bola de Nieve o los argentinos Pedro Aznar y la dupla Nora Sarmoria y Mati Mormandi.  El vaivén entre poesía reflexiva e íntima, improvisación jazzística y ritmos latinoamericanos nos permite disfrutar de hermosas canciones con arreglos e interpretación de gran nivel técnico sin dejar de lado la emoción. Analía Sambuco y Julián Solarz llevan cinco años de búsqueda de un lenguaje propio que, nunca quieto, se refleja hoy en nueve bellas versiones.  Este tiempo vaivén tiene el aporte creativo de grandes músicos como son Nora Sarmoria (teclados, acordeón y voz), Facundo Guevara (percusión) y Marcos Cabezas (marimba). El vaivén de estos tiempos nos trae en este disco linda música para disfrutar. (alesimonazzi)

Verónica Condomí con Pablo Fraguela. Camino de estrellas, (Independiente)

Bello encuentro de dos destacados músicos que deciden recorrer un variado y muy interesante repertorio. La propuesta nos cautiva desde el inicio con la versión de La nochera, clásico de Jaime Dávalos. Partiendo de esta hermosa interpretación iremos desandando junto a Verónica Condomí y Pablo Fraguela un puñado de temas, algunos conocidos del cancionero popular como la Baguala de Juan Poquito (María Elena Walsh), Zamba de mi esperanza (Luis Profili), o Juan del monte (Castilla-Leguizamón), otros de grandes compositores contemporáneos como Néstor Soria, Carlos Aguirre o Juan Quintero, y no faltan algunas bellas canciones de Verónica Condomí. El dúo Condomí-Fraguela transmite en cada melodía el placer con el que se fue haciendo este disco, la celebración del encuentro, y la intención de entregar las canciones con personales y hermosas texturas. Intimidad y buen gusto son ingredientes presentes en todo el disco que tiene una inmejorable interpretación de Verónica Condomí (voz, guitarra, bombo y kalimbón) interactuando con los muchos recursos de Pablo Fraguela en piano, acordeón y voz. No hay en este disco un piano acompañando a una cantante, sino una mirada compartida sobre cada tema, una disfrutable conversación que en algunas canciones invita a. Yani Lui (voz) y Quique Condomí (violín) para que aporten sus voces y capacidad artística. El repertorio de este iluminado Camino de estrellas incluye, además de los nombrados, una versión de No me arrepiento de este amor de Gilda, Desde que o samba é samba de Caetano Veloso y El desconfiado de Isabel Parra. Gran variedad de compositores y melodías que tienen su punto de encuentro en la sensibilidad y talento de Verónica Condomí y Pablo Fraguela. (alesimonazzi)

Celeste Táboas. Interior.(UMI)

El repertorio de música popular latinoamericana es basto y de gran riqueza artística.  Pero no alcanza la elección de bellos temas para asegurar el resultado de un buen disco. La impronta de Celeste Táboas, su personalidad para encarar cada una de las piezas elegidas, y los muy logrados arreglos de Demián Ornstein hacen de este disco un delicado y disfrutable viaje por autores imprescindibles de nuestra patria grande. Los hermanos Nuñez, Raúl Carnota, Jorge Fandermole-Lucho González, Chabuca Granda, Leguizamón-Castilla, Carlos Aguirre, Fernando Cabrera...algunos de los autores escogidos por Celeste Táboas para hacerlos propios y entregar hermosas versiones. Clásicos como Vidala para mi sombra (Espinosa) o Cantora de Yala (Leguizamón-Castilla), se encuentran con composiciones relativamente nuevas como Beatríz Durante (Carlos Aguirre) y La casa de al lado (Fernando Cabrera) que tienen destino de clásicos. Celeste Táboas está acompañada por su grupo que integran Demián Ornstein en guitarra y arreglos, Lionel Mortola en contrabajo y Nicolás Croci en percusión. Como invitados, entre otros: Bernardo Baraj (saxos), Patricio Villarejo (violoncello), Carolina Cohen (percusión), Wismer Jiménez (cuatro venezolano). Una paleta de colores musicales que utilizan de diferentes maneras para recomponer los temas de acuerdo a la necesidad expresiva de Táboas. El resultado es un muy buen disco con excelentes canciones, un tratamiento musical que propone originalidad y riesgo, y una voz expresiva que se compromete con cada interpretación. (alesimonazzi)

Silvia Juan Bennazar. Las hojas tienen movimiento. (UMI)

Un muy buen primer disco de la intérprete sanpedrina que propone un repertorio con composiciones de Zito Segovia, Raúl Carnota, Sebastián Monk, Cecilia Gauna, Carlos Medina, Juan Falú, Victor Jara y Violeta Parra, entre otros. Especial presencia tienen los temas del poeta tucumano Néstor Soria, destacada pluma del cancionero popular.  En "Las hojas tienen mudanza", Silvia Juan Bennazar comparte la búsqueda de una voz profunda y propia.  Una interpretación sentida que parte de la elección del repertorio, saber qué decir y cómo decirlo, y la comunión con los músicos para lograr un disco con hermosas canciones, muy bien interpretadas y con arreglos más que acertados. Zamba, hayno, chamamé, gato, chacarera son los ritmos que recorre Silvia con la dirección artística de Mariano Fernández y la participación de excelentes músicos que, comprometidos con la obra, aportan creatividad y belleza. Algunos de los artistas que participaron de Las hojas tienen mudanza son María de los Angeles Ledesma, Quique Condomí, Lorena Astudillo y Pablo Fraguela, Claudio Sosa, Taty Calá, Matías Furió, Emiliano Alvarez, Juan Pablo Ferreyra, Cecilia Gauna, entre otros. Edición independiente con un hermoso arte a cargo de María Birba que nos permite disfrutar las letras de los temas y bellas fotos tomadas en San Pedro (Buenos Aires). Las hojas tienen mudanza nos invita a una nueva e interesante mirada sobre el cancionero popular, reconociendo su historia y presente, con muy buen tratamiento musical y la expresividad y sentimiento de Silvia Juan Bennazar. (alesimonazzi)

Guillermo Capocci. Jallalla. (Hecho en Claypole)

Segundo disco solista de Guillermo Capocci, una propuesta de canciones propias y algunas versiones de temas de diferentes autores. Todo bajo el sonido guía de la guitarra que invita a los diferentes colores musicales que recorren el disco. Capocci es un destacado guitarrista, compositor y arreglador que disfruta de la música sin etiquetas y que en Jallalla nos brinda la posibilidad de conocerlo en la creación de bellas canciones con las más diversas sonoridades, siempre en conexión unas con otras. Entre las versiones de temas ajenos, están Tiempos de Rubén Blades, Bolero de Pablo Tozzi y Orfandad de Néstor Lamónica, con arreglos e interpretación que emocionan. Un fragmento de Todos los días un poco de León Gieco y un encuentro entre Paul McCartney y Charly García, al cruzar fragmentos de Blackbird e Inconsciente colectivo. Los temas compuestos por Capocci no se encasillan en temáticas ni ritmos, los hay acústicos y eléctricos, y lo tienen al autor en la voz, guitarra, procesadores y electrónica. Se lo percibe cómodo transitando el sinuoso camino de la canción y el resultado es de gran belleza y musicalidad. Participan de Jallalia: Omar Caraffini en synte, piano y voces; Néstor Lamónica en batería, percusión y voces y Flavio romero en bajo y contrabajo. Partícipes comprometidos en la obra, lejos de ser meros sesionistas. Del mismo modo los invitados que aportan una paleta creativa de colores musicales: María Viau (voz), Nicolás Lapine (trompeta y flugelhorn), Jorge Demonte (armónica), Fabio Marotta (bombardino), Pablo Tozzi, Lucas Camejo, Marisa Mayo y Alicia Clara (voces). El tema que da nombre al disco contiene un recitado que dice: "Del entorno, mejor cuidar que cuidarse..." Y del cuidado y compromiso que siempre tiene Guillermo Capocci tanto en sus proyectos como cuando aporta su arte a otros emprendimientos, resulta esta muy recomendable reunión de amigos en torno a unas muy lindas canciones...Jallalla! (alesimonazzi)

Franco Luciani, Federico Lechner. Gardelería. (Acqua)

Segundo disco de una formación que en cada encuentro cruza los falsos límites de los géneros y nos invita a un vuelo pleno de creatividad y buena música. En este caso deciden recorrer composiciones del gran Carlos Gardel con arreglos propios del trío de jazz y la incorporación de la armónica. Temas como El día que me quieras, Lejana tierra mía, Amores de estudiante, Por una cabeza, Volver, Arrabal amargo o Sus ojos se cerraron; son revisitados con gran talento, creatividad y espíritu lúdico. Una mirada propia del jazz, donde la improvisación tiene su espacio y el oyente puede disfrutar la frescura, universalidad y vigencia del Gardel compositor. Franco Luciani es un armoniquista excepcional, con lenguaje propio y versatilidad para transitar diversas músicas. Federico Lechner, gran pianista y compositor argentino radicado en España desde hace 25 años, donde lleva adelante su "Tango & Jazz Trío". La amistad y empatía artística dan como resultado estas Gardelerías absolutamente disfrutables y con un destacado trabajo en los arreglos de Flechner en siete de los once temas, Luciani en tres y, de yapa,  "Guitarra mía" que cuenta con arreglos de Leo Maslíah, nada menos. De un cuento de Maslíah, precisamente, surge el título del disco "Gardelería". Además de Franco Luciani en armónica y Federico Lechner en piano, es de destacar la sonoridad del cuarteto todo, que se completa con Andrés Litwin en batería y Pablo Motta en contrabajo. Excelente músicos que aportan creación y talento. Entre los invitados están Horacio Cacoliris (percusión), y Antonio Serrano (armónica). En los dos únicos temas cantados (Lejana tierra mía y Volvió una noche) convocaron voces y fraseos lejanas al tango como son  las  del brasileño Gladston Galliza y el español Javier Ruibal. "Gardelería" es una propuesta de calidad musical que no deja de lado la emoción. Don Carlos, no deja de sonreír. (alesimonazzi)

Cuarteto Coviello. Llegaron (Independiente)

La intensidad podría ser marca de identificación de este cuarteto que desde la impronta tanguera aborda también otras músicas. Tal como ellos mismos lo afirman: "El trabajo en grupo no es la suma de las capacidades de sus individuos si no una fuerza más poderosa". Esa suma parte de la iniciativa convocante del bandononista y compositor Julio Coviello, integrante de la mítica Orquesta Típica Fernández Fierro. A esa iniciativa, suman compromiso, identidad y técnica musical: Nicolás Di Lorenzo en piano, Alejandro Sordas en guitarra eléctrica y Mariano Bustos en contrabajo. En los temas cantados, ponen su impronta Alejandro Guyot y Mariano Mazzei, dos cantores que aportan diferentes identidades interpretando diversos temas y sellando el encuentro al final del disco haciendo a dos voces la Milonga infernal de Coviello y Guyot.  A las composiciones propias se le suman autores como Di Sarli, Troilo-Castillo, Piana-Manzi, grandes nombres del tango versionados desde la mirada personal del cuarteto, con esa intensidad que vuelcan en cada tema. También hay lugar para Alfredo Zitarrosa y un anónimo Mapuche como Huinca Onal, conocido por la interpretación de Don Atahualpa Yupanqui. "Llegaron" en este disco los tangos del Cuarteto Coviello, la visita a grandes compositores, una manera de sentir y compartir la música. "Llegaron" y les damos la bienvenida. (alesimonazzi)

Caracol. Guitarar y voz. (UMI)

Roberto "Caracol" Paviotti es el hacedor de este muy disfrutable disco de tangos. Cantante nacido en la ciudad de La Plata, que luego de recorrer diversos estilos como el folklore y la música melódica, se reconoce cantor de tango. Basta degustar el fraseo en su registro barítono para descubrir nuevos mensajes en tangos tantas veces escuchados. Arrabal amargo, Flor de Lino, Niebla del riachuelo, María, La cumparsita...un repertorio en el que los temas clásicos se imponen a novedades y en los que Caracol pone su impronta desde la  interpretación, reinventando las composiciones. Se acompaña en guitarra tocando sus propios arreglos y dando a todo el disco un clima de intimismo que pone al oyente mano a mano con el cantor. Tal como se define el artista, es un investigador de los orígenes de cada tema que incluye en su repertorio, no hay palabra ni fraseo sin intención. Los ingredientes característicos de Caracol tienen que ver con su original interpretación, el registro de su voz y el estilo sobrio, sin estridencias, para recorrer el cancionero tanguero.  No hay un gran despliegue instrumental, sino una guitarra compañera y precisa. El guitarrista y compositor Edgardo "Chino" Rodríguez es el productor de "Guitarra y voz", un disco necesario para quien quiera encontrarse con algo de la esencia del tango, en manos de un artista comprometido y lejano a los estereotipos del género. (alesimonazzi)

Quinteto Negro La Boca. Album negro. (Epsa)

Los tangos libertarios son marca del Quinteto Negro La Boca y definen la impronta musical potente y portuaria. Y es que se trata de una agrupación con fuerte identidad geográfica y un mensaje directo que tiene forma de tango. El Album Negro comienza y termina con dos temas cuya letra es nada menos que de Osvaldo Bayer. Severino (Bayer/Pablo Bernaba) y Patagonia Rebelde (BAyer/Alessio/Bernaba). Este último incluye un rapeo de Malena D´Alessio de Actitud Maria Marta, que rompe con el encasillamiento de géneros al momento de definir la identidad del grupo. Esto se plasma también en una versión de Merceditas que trae aire del litoral a la República de La Boca. El QNLB lo integran Pablo Bernaba (primer bandoneón y dirección), Daniel Arbós Daró (segundo bandoneón), Maximiliano Larrea (guitarra), Patricia Szilágy (piano) y Lucas Pereira (contrabajo). Cuentan con varios invitados que ponen sus voces en distintos temas: Hernán "Cucuza" Castiello, Hernán Fernández, Rodrigo Perelsztein, Limón García y Malena D´Alessio. Además, están invitados Rubén Lobo (batería), Susannah Simmons y Jennei Gubner (violines).  Un sonido limpio, fiel al estilo que transitan pero con una mirada actualizada. Conviven en este disco temas tradicionales como Recuerdo (Moreno-Pugliese), Ojos negros (Portendo-Greco), Milonga en negro (Rivero) o Milonga de mis amores (Contursi-Láurenz), con nuevas composiciones instrumentales y nuevas letras como Triple crimen de Alejandro Guyot y los tangos libertarios que llegan de la pluma del maestro Bayer. Una agrupación que es un emprendimiento cultural colectivo, con compromiso e ideas que se proclaman y defienden con poesía y muy buen tango. (alesimonazzi).   

Seba Dorso y Marcos Monk. Un segundo. (UMI)

Disco de canciones propias que deja registro de un momento de este dúo que desde 2008 desanda caminos de la música popular argentina y latinoamericana. Seba Dorso (piano, melódica y voz) y Marcos Monk (guitarra, percusión y voz) se dan a conocer a través de sus canciones, donde expresan todos sus sentimientos y emociones. Las influencias y conocimientos musicales de estos dos muy buenos músicos, son volcados en el tratamiento de cada canción, logrando una identidad propia, una manera de decir que contiene el camino recorrido y las búsquedas actuales. El disco comienza con el tema "Suerte", una declaración del sentir de quien decide el camino de ser trovador de su tiempo. Ese camino es transitado con bellas canciones que recogen ingredientes diversos en géneros y estéticas, donde reconocemos un encuentro del folklore argentino y latinoamericano, el rock y la canción, por supuesto. Participaron de "Un segundo" como músicos invitados Tomás Abramovich en percusión, Flavio Romero en bajo eléctrico y Gustavo Fuentes en Low Whistle (flauta tradicional irlandesa).  Dicen Seba y Marcos: "En nosotros conviven diversas expresiones y culturas, que no dejan de ser una mezcla de todo lo aprendido y bastante de lo mucho desobedecido." Saludamos entonces aquellos aprendizajes y desobediencias generadoras de canciones que son más que bienvenidas. (alesimonazzi)

Hernán Ríos - Facundo Guevara. Pregunta y Pregunta. (Independiente)

Nuevo disco de este maravilloso encuentro pleno de talento y sensibilidad. Hernán Ríos y Facundo Guevara, piano y percusión respectivamente, recorren composiciones del primero y otras perlas de la música latinoamericana con una personal mirada donde la improvisación y el disfrute son parte de cada tema. El repertorio, además de obras de Hernán Ríos, trae títulos como  “De estar estando”, del Cuchi Leguizamón, “La arenosa”, de Leguizamón y Castilla, “O bêbado  e a equilibrista”, de Joao Bosco y Aldir Blanc, “Canto a la Telesita” (Rolando. Valladares  y José Augusto Moreno), “Goodbye pork pie hat” de Charlie Mingus y “La pobrecita” de Atahualpa Yupanqui.  Como ellos mismos afirman, la música del dúo es la construcción permanente de un discurso, un lenguaje personal en el que el ritmo y el silencio incorporan el sentir por la música popular y nuestras raíces. Sin estridencias ni muestras innecesarias de virtuosismo, Facundo Guevara y Hernán Ríos conversan desde sus instrumentos e invitan a ser parte de esa conversación a quien se disponga a la escucha atenta y sin apuros. Es interesante traer las palabras de quien estuvoa cargo de la grabación, mezca y masterización. Dice Mario Breuer: “Música de magos y druidas conducida por la pura inspiración. Música que no se comprende hasta que se la siente y cuando se la siente se convierte en la más perfecta jamás interpretada. Las teclas del piano de Hernán se confabulan con los cueros, maderas y metales de Facundo creando un entretejido sonoro que sólo para aquellos que vivimos íntimamente con la música se convierte en magia total." Nada que agregar a las palabras de quien vivió tan de cerca la magia de este dúo. Queda claro que lo mejor que nos puede pasar no es encontrar todas las respuestas sino no dejar de generar pregunta y pregunta.(alesimonazzi)

Hermida en blanco y negro. Juanjo y Julián Hermida. (Epsa)

Un muy buen disco de tango, varios clásicos y tres composiciones propias. Las versiones de cada uno de los temas elegidos son la mejor muestra de este encuentro de amigos y del camino que juntos han recorrido en la música. Si bien inicialmente vienen de lugares "distintos", el encuentro se selló en el tango abriendo las puertas a la improvisación y logrando un sonido representativo del sentir artístico de ambos. “Hermida en blanco y negro” es el primer disco del pianista Juanjo Hermida (venido del jazz y el blues, pianista de La Mississippi 11 años); y el guitarrista Julián Hermida (proveniente del tango, músico de Alberto Podestá y director de su propio quinteto). El disco es disfrutable en todos sus temas, notándose la química entre los músicos y la gran técnica en sus instrumentos. El dúo de guitarra y piano se completa con Hernán Paglia en contrabajo en ocho de los diez temas, y con dos tangos de Eladia Blázquez muy bien cantados por Alicia Vignola. Juanjo y Juan Hermida definen perfectamente este encuentro de tango, buena música y amistad:  “Tenemos el mismo apellido de casualidad pero, cuando nos preguntan si somos parientes, decimos que nos hemos elegido como tales. Por tener historias de vida parecidas y por entender y compartir la música del mismo modo, he aquí el disco de dos amigos que se eligieron hermanos.”  Un disco para quien elija disfrutar de las muy buenas nuevas miradas sobre el tango. (alesimonazzi)  

M.C.A. Volumen I. Los amigos del Chango. (Independiente)

Bienvenido el disco que nos permite disfrutar de la última travesura musical del inmenso y extrañado Chango Farías Gómez y que inaugura el camino de esta gran orquesta que, bajo su impronta, sigue el camino de búsqueda, riesgo y juego que supieron compartir con el "maestro, amigo y compañero".  La Orquesta Popular de Cámara Los amigos del Chango recorre en este primer disco un cancionero del folklore, con chacarera, zamba, gato y hasta un par de tangos. Temas que Farías Gómez incluye en el repertorio de Música Clásica Argentina, de ahí el nombre del disco. Por supuesto que los arreglos del Chango, la orquestación de Néstor Gómez y el aporte creativo de cada uno de los músicos que integran la orquesta, refundan cada obra con absoluta libertad y aportando ingredientes de distintas músicas del mundo. El jazz, el candombe o el flamenco son invitados a este revuelto de canciones argentinas interpretadas por una big band de formación particular: Chango Farías Gómez: voz, guitarra, bombo legüero, Rubén “Mono” Izarrualde: flauta, Néstor Gómez: guitarra, Luis Gurevich: piano, Ricardo Culotta: trompeta y fliscorno, Omar Gómez: bajo, Jerónimo Izarrualde: batería y voz, Santiago Martínez: violín, Aleix Duran: clarinete y clarinete bajo, Agustín Balbo: guitarra eléctrica, Daniel Gómez: bandoneón, Manuel Uriona: percusión. Como invitados están Fabían Cartier (piano), Pablo Giménez (trombón) y Cacho Ferreira (saxo tenor). Además de las originales y bellas versiones de temas como Entre al pago sin golpear, María, La Oncena, Garúa o El Humahuaqueño, la Orquesta Los amigos del Chango transmite y contagia la inmensa alegría de ser parte de este proyecto. (alesimonazzi)

  

Algo así. Dúo Piscitelli-Gómez Saavedra. (Independiente)

Juan Piscitelli y Patricio Gómez Saavedra son dos guitarristas de gran técnica y con capacidad de emocionar desde su interpretación. Tucumanos afincados hace un tiempo en La Plata, presentan en este primer disco trece composiciones muy bienvenidas al cancionero popular contemporáneo. Temas de Piscitelli, de Gómez Saavedra y otros compuestos en dúo. Letras aportadas por Mariano Barrionuevo y Gabriel Gómez Saavedra. Un todo que nos invita a disfrutar de un sonido folklórico urbano que transmite serenidad, reflexión y un clima íntimo sin estridencias y con gran variedad de sonidos que aportan los muy destacados invitados: Juan Quintero (voz), Lucho Guedes (voz), Federico Arreseygor (piano), Octavio "Tato" Taján (voz), Mariano Arrullo (voz), santiago Arias (bandoneón), Mariana Larrubia (clarón), sebastián Rividdi (flauta).  Variedad de voces e instrumentos en algunos temas, dúo de guitarras en otros; siempre el clima sereno que parece reflejar el andar de Piscitelli y Gómez Saavedra. Las bellas pinturas que ilustran el arte de tapa son de Vladimir Merchensky Arias. Algo así es un muy buen primer regitro de un dúo que tiene sonido propio producto de andar camino juntos y, en ese camino, encontrarse con excelentes músicos y buenos tipos que son parte de este disco. (alesimonazzi)

Anónima. Silvia Iriondo. (UMI)

Parte del ADN de nuestra identidad cultural está en los cantos ancestrales.  Coplas, melodías y voces que hablan de nosotros y de las que una de las más importantes recopiladoras ha sido Leda Valladares. En Anónima, Silvia Iriondo rinde tributo a Leda versionando parte de su obra de recopilación y, en ella, tributa también a las voces originarias en la que habita nuestro folklore.  Vivencias, sentires y paisajes con letra y música que trascienden a sus autores, "Anónima es la red que comunica y anónima es la copla que singulariza la cultura de un país y le da esencia".  La variedad de voces y paisajes que recopiló Leda Valladares se muestran en diversos ritmos: huayno, zamba, copla, vidala, chacarera, cueca, tonada, carnavalito... todos conviven en la descripción del paisaje y el pueblo, voces anónimas que se encienden contra la indiferencia y el olvido. Toda la riqueza de esta obra se actualiza y embellece en los arreglos musicales y la mirada artística de Silvia Iriondo junto a los músicos que intervienen el disco: Federico Arreseygor (piano), Horacio Hurtado (contrabajo) y Fernando Bruno (percusión). Sonidos de kalimbas, coro de niños, la percusión marcando el pulso de un pueblo Los invitados aportan también a estos quince disfrutables temas. Teresa Parodi (voz), MIriam García (voz), Carlos Aguirre (piano), Quique Sinesi (guitarra), por nombrar algunos. La participación del Coro de niños Escuela Pública Nro 6 en tres temas emociona al escuchar estos cantos ancestrales en voces nuevas. Vale decir que Anónima ganó el Primer Premio del Fondo Nacional de las Artes a la producción discográfica y que, más allá de los galardones, es un obra fundamental y bellísima que el oyente agradece y disfruta. (alesimonazzi)

Daniela Horovitz. Desmesura.(Mecenazgo cultural)

El segundo disco de Daniela Horovitz confirma las cualidades de gran intérprete e interesante compositora  que muchos conocen en esta gran artista, En su camino se destaca su participación como cantante de Los Amados, y como integrante de La impertinente Señorita Orquesta, agrupación femenina que transita la música con paladar francés. En Desmesura, Daniela presenta cuatro composiciones propias, otras cuatro en co-autoría con Alan Plachta, productor artístico del disco, y versiones de temas de Lucho Guedes-Ezequiel Mantega, Matías Mormandi y los brasileños Rubens y Fabio Tubenchlak. Las canciones recorren -y recogen- las muy diversas influencias musicales de Horovitz. La expresividad y cantidad de recursos que tiene como intérprete Daniela, aportan matices y colores a cada tema que, como todo nuevo repertorio, pide una escucha atenta y abierta.  Es de destacar el trabajo de producción del guitarrista y compositor Alan Plachta, quien desde los arreglos otorga aún más belleza a las canciones.  Belleza que se completa con las intervenciones de invitados como Lucho Guedes (voz), Exequiel Mantega (piano y acordeón), Matías Mormandi (piano, teclados, efectos), Melina Moguilevsky (voz), Martín Pantyrer (clarinete), Mario Gusso (percusión), Pablo Motta (bajo), Martín Sued (bandoneón) y el cuarteto de cuerdas de Guillermo Rubino. La lista de invitados nos da una idea de la variedad de sonidos que ofrece Desmesura, un disco muy bienvenido para quien está a la espera de buenas nuevas músicas. (alesimonazzi)

El video corresponde a un tema del primer disco de Daniela Horovitz "Y de amor no supe nada"

Dúo Cardozo. Donde empieza la canción. (UMI)

Mauro y Pablo Cardozo , integran este dúo que presenta su primer disco con diez composiciones propias donde encontramos aires de música popular rioplatense y otras pinceladas sonoras de nuestro folklore. Los hermanos Cardozo tienen un recorrido musical que se inicia en el Conservatorio de Música de Morón y transitó fuertemente la música de cámara. Luego fluye la necesidad artística de la canción, algo que late en sus historias desde siempre y encuentra inspiración en el andar diario. Entonces el barrio. Y, sobre todo, su gente.  Allí es tal vez "donde empieza la canción".  Imágenes de la niñez, paisanos errantes de quienes venimos, el amigo que no está, el encuentro en las peñas... ingredientes de estas canciones originales recomendadas para quien guste encontrarse con nueva buena música. "Donde empieza la canción" tiene a Mauro Cardozo en voz, guitarra y composición, Pablo Cardozo en guitarra y composición y Bárbara Legato en piano y sintetizador, aportando con este último, sonidos que remiten al cuarteto de cuerdas. Como invitados: Gustavo Nasuti en bombardino y acordeón, Alejandro Corvalán en voz y piano, Gustavo Rocco en tambores piano, repique y chico, y Raúl Campana en redoblante y platillos.  Con edición independiente, sonido propio, poesía original y ofreciendo diversas texturas musicales rioplatenses, el Dúo Cardozo comparte y deja su marca "Donde empieza la canción". (alesimonazzi)

Sangre buena. Mariana Baraj. (Sura)

Sangre buena es el quinto disco de la cantante, percusionista y compositora Mariana Baraj. Se destaca en este trabajo su tarea compositiva ya que la mayoría de los temas son propios o en coautoría. La música de Baraj parte de nuestro folklore, es especial ritmos andinos. En esto tiene que ver seguramente el haber elegido como lugar de residencia la provincia de Salta y tener una convivencia real y diaria con las diversas formas del folklore. A partir del acercamiento a la música folklórica, otros lenguajes cruzan cada composición con un sonido pop que late en todas las canciones. En "Sangre buena" aportan su voz como invitados Fito Páez y el Chaqueño Palavecino, y fue grabado parte en el estudio del Chaqueño en Salta y parte en el estudio de Gustavo Cerati, tal vez como síntesis de ese encuentro de culturas. Los músicos que acompañan a Mariana Baraj son Lucio Balduini y Javier Mattanó (guitarras), Francisco Arancibia (bajo) y Diego López de Arcaute (batería y bomboel aporte de Daniel Villa (violín), Carlos Ibáñez (guitarra), Aldana Bello (charango), Juan Cruz de Urquiza (trompeta), Juan Canosa (trombón) y Bernardo Baraj (saxo). Un trabajo que nace en la autogestión y la conexión entre Mariana Baraj y Mauro Rodríguez que, con Sangre Buena, comparten un camino del que brotan canciones para compartir. (alesimonazzi) 

Fander. Jorge Fandermole. (Shagrada Medra)

Nueve años pasaron de la edición de Pequeños Mundos, último trabajo editado por Jorge Fandermole. Deseábamos la llegada de Fander, un álbum doble pleno de belleza y musicalidad. Cada tema está impregnado de la poesía de quien es un referente de nuestra música popular. Referente con su música, coherencia y compromiso. Fander tiene un primer disco con canciones inéditas (a excepción de HIspano que grabaron Baglietto y Vitale), canciones que nacieron y fueron creciendo en estos años que, aunque no haya editado discos, su actividad con la música y las presentaciones no cesaron nunca. Alunados es el tema que abre el disco I y nos brinda la emoción del reencuentro con uno de los rosarinos más queridos. La poesía hecha canción y la música con cuidadas y diversas texturas nos invita a disfrutar cada tema, y volver a agradecerle a Fander letras y músicas. Entre las nuevas canciones hay lugar para algunas dedicadas como La Luna y Juan, por supuesto para los queridos Luna Monti y Juan Quintero, o Corazón de bombisto, a Raúl Carnota (hablando de referentes). También está presente el recuerdo de grandes músicos que ya no están como Chacho Muller, Anibal Sampayo y el "Zurdo" Martínez, en el tema Agua dulce. El Disco II consta de once canciones editadas en los ´80 que, con nuevas versiones, nos da la posibilidad de disfrutar temas como Rio Marrón, Carcará o Tema del vino. Los músicos que acompañan a Fandermole en este disco aportan su sonoridad y belleza artísitca.  Participaron en la grabación, nada menos que Marcelo Stenta en guitarra y coros, Fernando Silva en bajo, contrabajo y violoncello, Juancho Perone y José Piccioni en percusión, Carlos “Negro”  Aguirre en piano, flauta baja e instrumentos digitales, Julio Ramírez en acordeón, Luis Barbiero en flauta, Carlos Pino en voz, Julián Venegas  y Lucas Heredia en coros e Iván Tarabelli en instrumentos digitales. Todos excelentes músicos, sensibles y creativos. Tenemos nuevo disco de Fander, la música popular argentina atesora una gema más de un artista imprescindible, admirado y querido. (alesimonazzi)

Manuel Moreira. Niño. (Independiente)

Variadas texturas musicales se encuentran hechas canción en el segundo disco del cantautor y guitarrista Manuel Moreira. Que Moreira canta bien lo sabemos al disfrutarlo cada noche en el programa radial La venganza será terrible junto a Alejandro Dolina, o en el grupo vocal Cabernet. En Niño, se agrega la pluma del poeta y la composición musical. Todos temas propios a excepción de Como flor del alma, en coautoría con Fernando Rabih. La suma de estos ingredientes nos permite degustar trece canciones con variedad de sonidos: voz y piano, cuarteto de cuerdas, formación de guitarra, bajo, batería y percusión. Diversas presentaciones de un mismo sentir artístico, un juglar de nuestros tiempos que pone en canciones sus sentires que, en muchos casos, son los nuestros. La producción artística está a cargo de Federico Mizrahi quien también aporta piano y teclado en varios temas. Entre los músicos que participan de Niño, están Juan Pablo Di Leone en flauta traversa, Norberto Córdoba en bajo, Jonatan Szer en percusión, Cristian Basto en contrabajo, por nombrar algunos. Niño marca un paso más en el crecimiento artístico de Manuel Moreira. Un paso acertado, sensible y con bellos sonidos. (alesimonazzi)